Diferencias entre el Barroco y Rococó

La pintura barroca se caracterizó principalmente porque sus artistas intentaban plasmar emociones, sentimientos, pasiones y temperamentos, reflejados en su mayoría en los rostros de sus personajes. Las representaciones tenían gran emotividad y los personajes mostraban los sentimientos muy intensamente. Asimismo los temas que trataba la pintura Barroca no eran para nada superficiales más bien se trataban de tocar temas realistas y representan tal cual lo bello, lo feo, lo agradable, lo desagradable, etc.
El barroco también se caracterizo por una ausencia de sensualidad. La pintura barroca se caracterizó por tocar los siguientes temas: escenas religiosas, retratos, mitología, escenas cortesanas e imágenes de la vida cotidiana, aunque empiezan a desarrollarse también los paisajes y los bodegones, que también recibe el nombre de “naturaleza muerta”. Se utilizó como uno de los estilos principales el claroscuro o el tenebrismo de Caravaggio así como colores no tan vivaces ya que las formas se definían mediante sombras y no mediante los colores en sí.
Por otro lado, el Rococó es un estilo independiente que surge como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV y, a diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la elegancia, la sensualidad, la galantería y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el claroscuro del barroco. Es un estilo aristocrático, revela el gusto por lo elegante, lo refinado, lo íntimo y lo delicado. Plasma una vida despreocupada y agradable que la sociedad ansía y se desentiende de cuestiones religiosas. Es un arte mundano, sin conexión con la religión, que trata temas de la vida diaria, no simboliza nada social ni espiritual, sólo superficialidad. Por todo esto se considera la pintura Rococó como una pintura frívola, exclusiva de la aristocracia.

Rembrandt

Este famoso pintor nació el 15 de Julio de 1606 en Leiden, Holanda. Sus padres nunca escatimaron en su educación, primero fue instruido por un maestro del pueblo Jacob van Swanenburch, y más tarde, en Ámsterdam, con Pieter Lastman. Vuelve a Leiden donde comienza a impartir clases con solo 22 años.
Luego regresa a Ámsterdam en donde se casa en 1634 con Saskia van Uylenburgh que le pone en contacto con una alta sociedad que el encarga numerosos retratos. Establece su primer taller con varios discípulos. Pero su vida familiar es desastrosa, tres de sus cuatro hijos mueren en menos de 7 años.

En 1956 , Rembrandt se encuentra en la bancarrota debido a una vida llena de escándalos y opulencia que mantiene a partir del año 1949 en el que comienza un tórrido romance con Hendrickje Stoffels, su ama de llaves, quien empezó posando para él en muchas de sus pinturas.

Todo esto no afecta en lo más mínimo a su pintura, que por el contrario se hace cada vez más sólida y ejemplar. Se adentra en la comprensión de la naturaleza humana y traslada esta comprensión a sus obras.

A partir del año 1663, año en el que muere Hendrickje, no mejora. En 1668 muere su último hijo y en octubre del año siguiente Rembrandt encontraría también la muerte.
Entre las principales características de su obra se encuentra el uso del claroscuro o tenebrismo, los fuertes contrastes, el empleo de colores oscuros animados por el rojo, las expresiones de los personajes y su pincelada rápida. Se diferencia de los demás artistas de su época debido a las escenas vividas y dramáticas que suele pintar y que destacan sobre la rígida formalidad otros pintores.

Caravaggio

Miguel Ángel Merisi da Caravaggio, fue un pintor italiano con una gran influencia tanto en Italia como en el exterior. Toma su nombre de la aldea donde nació y recibió su primer entrenamiento como pintor en Milán en donde se especializo en el naturalismo.
Este gran pintor es particularmente reconocido por el uso del claroscuro, una técnica que usa la luz y la oscuridad para lograr un efecto 3D. Caravaggio rompe la tradición de las figuras simétricas y los fondos detallados. En 1595 el talento de Caravaggio es reconocido por el cardenal Francisco del Monte, quien subsecuentemente se convierte en su primer empleador o patrón. Las tres pinturas de Caravaggio acerca de la vida de San Mateo causan sensación: nunca antes un santo había sido mostrado o pintado de esa manera. Después de este éxito, Caravaggio toma todos sus temas del Nuevo Testamento.
La vida de Caravaggio fue tan turbulenta como su personalidad. Tuvo muchos problemas con la ley y fue arrestado en varias ocasiones. En 1606, Caravaggio es expulsado de Roma por matar a un hombre durante una pelea, entonces marcha a Malta de donde fue expulsado nuevamente por asesinato. Es ahí cuando decide desplazarse hacia Nápoles y Sicilia en donde siguió obteniendo enemigos hasta su muerte en 1610. Durante este viaje él hace muchas obras maestras, como “La decapitación de San Juan el Bautista”, la cual pinta en Malta. Caravaggio muere antes de llegar a Roma, probablemente de neumonía, en Puerto Ercole. Muchos días después de su muerte llega una carta con su absolución papal.
La influencia de Caravaggio es mundial: fuera de Italia el influenció pintores tan diversos como Georges de La Tour y miembros de la Escuela Utrech, como por ejemplo, Gerrit van Honthorst- artistas que luego influenciarían al mismo Rembrandt.

Barroco y su contexto histórico

El barroco no solo fue un periodo en la historia del arte sino un movimiento cultural muy importante que se extendió de diversas maneras: literatura, escultura, pintura, danza y música. Tuvo su existencia entre los años 1600 y 1750 aproximadamente.

Esta es una época de numerosos descubrimientos que no eran para nada convenientes para la Iglesia Católica, descubrimientos tales como los de Galileo Galilei que en numerosas ocasiones fue castigado duramente por la Santa Inquisición debido a que compartió sus conocimientos con el mundo a través de sus libros los cuales, según decreto de la Iglesia Católica, no debían ser publicados y menos distribuidos.

Además, en estos tiempos la Iglesia Católica luchó contra numerosos movimientos revolucionarios culturales siendo el más importante el movimiento religioso llamado la Reforma Protestante el cual estaba en contra de muchas de las cosas que venía haciendo la Iglesia y, principalmente, de la venta de indulgencias. La reforma protestante comenzó con la predicación del sacerdote agustiniano Martin Lutero quien rechazaba la exculpación del pecado por medio de dinero.

Es así, que la Iglesia Católica presentó el Concilio de Trento y la Contrarreforma o, en realidad, la Reforma Católica que no va contra algo sino en busca de una adaptación a los nuevos y cambiantes tiempos. Esta Contrarreforma traería consigo un nuevo estilo de arte: El Arte Barroco. Tras el renacimiento y el manierismo, la Roma de la Iglesia Católica se da cuenta de la necesidad de la aparición de este nuevo arte. La independencia de las republicas de Italia ya no es la misma tras dos siglos de batallas entre las principales potencias europeas por controlar el nuevo mercado centrado en el Mediterráneo. Por otro lado, el descubrimiento de América desplaza el polo económico hacia el Atlántico, cuyas rutas son dominadas por españoles, portugueses e ingleses. Esto provoca que las repúblicas italianas se reagrupen bajo un poder más fuerte y las que no caen bajo control extranjero (España y Francia) se someten a la influencia de los Estados Vaticanos.
Los principales teólogos de la época que fueron reunidos en el concilio, en su mayoría de proveniencia española, proclaman ciertos dogmas que habían de ser representados por los principales artistas de la época al servicio de la iglesia. La Iglesia fue la primera en entender que podían utilizar los cuadros como medio de propaganda para que los fieles estuvieran satisfechos con ella. Pero los artistas no sólo estuvieron a la disposición de la Iglesia pues muy pronto los ricos comerciantes y los miembros de la nobleza comenzaron a adquirir pinturas de este estilo, pagando un muy buen precio por cada una de ellas.
En resumen, los principales hechos históricos ocurridos para la consolidación del Barroco serían:

Ø La Iglesia Católica y la Contrarreforma. El siglo XVII es, en general, una época de constantes luchas para la Iglesia que buscaba la manera de volver a obtener seguidores y acallar las dudas que se cernían sobre ella.
Ø Las graves dificultades económicas provocan un malestar general.
Ø La crisis económica, las continuas guerras, las epidemias y la emigración a América hacen descender la población española.
Ø Aumentan las diferencias entre los estamentos (claro contraste entre el lujo de la nobleza y la pobreza del pueblo llano).
Ø Se dan nuevos descubrimientos que ponen en peligro las afirmaciones de la Iglesia.
Ø Las guerras existentes por controlar el mercado centrado en el Mediterráneo.
Ø El descubrimiento de América desplaza el polo económico hacia el Atlántico.
Ø España se encuentra gobernada por la dinastía de los Austrias (Felipe III, Felipe IV y Carlos II) y pierde la hegemonía política y militar que había alcanzado en el siglo anterior.
Ø España, de la mano de la Monarquía Hispánica de los Habsburgo, es el paladín de la Contrarreforma Católica derivada del Concilio de Trento.
Ø El poder que la Iglesia Católica alcanza en España y la expansión de la religión en el marco del Imperio Americano, determinarán su extraordinaria difusión geográfica.

Eugène Delacroix (Charenton-Saint-Maurice, Francia, 1798-París, 1863)

Pintor francés. Nacido en el seno de una familia formada por Charles Delacroix, político de profesión, y Victoire Oeben, que pertenecía a una familia de artesanos y dibujantes, aunque se decía que su padre fue Talleyrand, un diplomático amigo de la familia. Se formó en el estudio de Pierre Guérin, pero debe sus rasgos estilísticos a Géricault y Gros, coetáneos a los que admiró, y también a Rubens y los venecianos. Fue también un gran admirador de la pintura inglesa.

Fue una de las figuras capitales dentro del Romanticismo francés, gran observador del mundo que le rodeaba y llegaba intuitivamente a una práctica del color que se adelanta al Impresionismo. Observaba que el color mediatiza todo lo que le rodeaba. Compartía con Géricault el amor al ímpetu y al movimiento. Era gran admirador de Lord Byron, Shakespeare y Walter Scott. También fue gran amante del orientalismo y no se conformó con conocerlo a través de los libros, sino que viajó por el norte de África. En 1823 conoció Marruecos, Túnez y Argelia. También pasó por España y en Andalucía también encontró "su oriente particular".

En 1822 presentó por primera vez una obra en el Salón, La barca de Dante, y en 1824 compareció de nuevo en el certamen con La matanza de Quíos, cuadros ambos que fueron adquiridos por el Estado francés. El pintor se inclina en estas primeras obras por temas que le permiten expresar una gran intensidad emocional, plasmada con colores brillantes y gran libertad expresiva.

Son estas creaciones las que lo convierten en la gran figura del Romanticismo francés. Entre sus obras significativas están La muerte de Sardanápalo y La Libertad guiando al pueblo. En ambas, las figuras dibujan una línea diagonal, que constituye el eje compositivo del cuadro, al estilo de Rubens, creando una intensa sensación de movimiento y vitalidad.

Su viaje a Marruecos en 1832 marca el inicio de su segundo período estilístico, en el que abundan los temas marroquíes (Mujeres de Argel), en composiciones mucho más pausadas aunque también típicas del Romanticismo por su carácter exótico y por el uso del color, que adquiere un protagonismo constructivo y compositivo inhabitual hasta entonces.

Al final de su vida se convirtió en el gran decorador de interiores de París, con obras relevantes para el palacio Borbón, el palacio de Luxemburgo, el Louvre y la iglesia de Saint-Sulpice. Fue uno de los personajes más ilustres de su tiempo, amigo de Charles Baudelaire y Victor Hugo entre muchos otros, y dejó un Diario que constituye una interesante y valiosa fuente de información respecto a su vida y su época.

Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, Zaragoza, 30 de marzo de 1746 – Burdeos, Francia, 15 de abril de 1828)

Goya inicio su vida artística a sus tempranos catorce años, en 1760. Este personaje ingresa a un taller de un pintor llamado José Luzán y de este aprende la pintura y el dibujo. Goya intenta continuamente y con poca fortuna conseguir una beca para sus estudios en Madrid, para esto realiza obras para los jesuitas y los nobles aragoneses. Más tarde, en 1771 viaja a Italia gracias a sus protectores, es allí donde ejecuta ejercicios clasicistas y mitológicos. Cuando regresa a España, vuelve a pintar en Zaragoza y comienza su interés por la religión; en esta época resaltan sus pinturas de la Cartuja de Aula Dei y del Corte de la Basílica del Pilar, ambas en Zaragoza.

En 1773 con el apoyo de Francisco Bayeu comienza a trabajar en la Corte de Madrid y un año más tarde es destinado a trabajar en una fábrica de confecciones para tapices de la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara. En la corte conoce a el maravilloso trabajo de Velásquez, el cual se convierte en fuente de inspiración y estudio. Goya copia muchas de sus obras al óleo y en muchos grabados, es así como aprende el retrato y el género en el cual será catalogado como artista.

En 1780 para perfeccionar sus estudios y su sensibilidad ingresa a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Goya consolida su visión de la pintura en esta época. En Madrid realiza una exitosa carreta hasta ser reconocido como un maravilloso retratista, decorador y pintor religioso.En la última década del siglo, Goya acusa el tema sociopolítico y en 1792 se queda sordo. Su posición como un pintor crítico comienza a crecer al igual que sus investigaciones. A partir de 1974 realiza obras con una etapa pictórica nueva y ganan mayor autenticidad. Se ve afectada su obra religiosa como se ve reflejado en frescos de San Antonio de la Florida de Madrid.

A principios del siglo XIX empieza a realizar temas netamente románticos, como las crónicas de actualidad, escenas de brujería, el papel político del pueblo y la fascinación por la violencia. Goya sufre trastornos y en 1819 cambia drásticamente su pintura nuevamente y realiza pinturas con temas más fantásticos y violentos. Tras la invasión francesa este sea asienta en Francia ya que se vio obligado por el rey a abandonar España donde realiza nuevas obras.

Este pintor es muy importante no sólo por su capacidad técnica como pintor de óleos, dibujante y grabador, sino por sus distintas etapas que lo califican como un pintor brillante y único. Incluso cuando es un anciano se enfoca su interés en la nueva técnica llamada litografía como un nuevo método de grabado.

William Blake (Londres, 1757 - 1827)

William Blake fue un poeta, grabador y pintor británico, es considerado como un artista único y un visionario, sin embargo antes se le veía como a un místico iluminado o como un hombre poco cuerdo.
En 1771 este empieza a trabajar como grabador de James Bazire y en 1780 conoce al escultor neoclásico John Flaxman, de este último aprende el gusto por la seguridad y precisión del contorno del dibujo.
En la Primera etapa de su vida, es decir desde su matrimonio en 1782 y la publicación de los Esbozos poéticos en 1783, se dedicó a la poesía y las artes plásticas estudiando a los grandes maestros como Rafael, Durero y Miguel Ángel (en especial a este último). Blake fue incapaz de asimilar la capacidad volumétrica así que este desarrollo un estilo mucho más lineal aproximado al estilo miniaturista celta gracias a sus curvas.
Tuvo influencia del arte gótico y copio monumentos sepulcrales de la abadía de Westminster y otros templos. Gracias a Flaxman, Blake se introduce en la tertulia de Mrs. Mathew, es aquí donde sus habilidades como poeta son claramente apreciadas.
La segunda etapa de su vida, es decir en 1783 hasta 1803 vive en Lambeth y también este periodo abarca una comprensión técnica mucho más lograda en todos sus medios de expresión artísticos. En 1784 abrió un negocio de grabados el cual siguió vigente hasta la muerte de su hermano y cinco años después aparecen los Cantos de la inocencia ilustrados por el mismo y luego aparecen los Cantos de experiencia, donde el artística expresa la caída del hombre en poemas únicos trabaja luego con Thomas Butts (amigo suyo) y en 1800 junto a William Hayly asignó a Blake como residencia a un cottage en Fepham donde este pasa tres anos y compuso versos considerados como uno de los más logrados de toda su obra.
En su última época, es decir desde 1803 hasta 1827 se caracterizó un estilo extravagante en su poesía. En Londres explota su talento gracias a Richard Cromek. Más tarde trabajó con John Linnel, un paisajista para el que grabó Inventions on the Book of Job, su obra maestra y algunas ilustraciones para la Divina Comedia. Las obras literarias más destacables de sus últimos anos son el matrimonio de cielo y el infierno y otras dos entregan ilustradas Milton y Jerusalén.
Como artista Blake es un manierista, el cual destruye todas las formas clásicas sin llegar aún al nuevo equilibrio romántico. Fue un artista muy visionario, rechaza a la naturaleza como fuente creativa y se encierra en temas de su interior, así es como el llega a crear sus personajes sin preocuparse de la anatomía de estos ya que consideraba que corregir a estos personajes era un pecado en contra de su visión interior. Este proceso él mismo lo llamaba: “proporciones de eternidad demasiado grandes para el ojo del hombre”.
En el estilo de Blake predomina el dibujo sobre el color, los contornos ondulantes le dan a la obra una gran vitalidad y un bello ritmo. Blake también realiza nuevas técnicas como el grabado de la acuarela en color o miniaturas impresas. Su particular alegato su estilo profético y su energía lo convierte en una figura única del romanticismo.