Claude Monet

Pintor impresionista francés que llevó a su máxima expresión el estudio de los estados transitorios de la luz natural. Monet nació en París el 14 de noviembre de 1840, aunque pasó la mayor parte de su niñez en Le Havre, donde estudió dibujo en su adolescencia y pintó marinas al aire libre con Eugène Louis Boudin.

Hacia 1859 Monet había decidido firmemente comenzar su carrera de artista para lo que pasaba largas temporadas en París. En la década de 1860 se le asoció con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que más tarde formarían la escuela impresionista—Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y Alfred Sisley.

Monet pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y así comenzó a tener cierto éxito en las exposiciones oficiales. Sin embargo, a medida que su estilo evolucionaba, Monet transgredía con frecuencia los convencionalismos artísticos tradicionales en beneficio de una expresión artística más directa. Sus experimentos al aire libre se hacían cada vez más audaces, buscando la reproducción de la luz del día por medio de una aplicación libre de colores brillantes. De este modo, deliberadamente le dio la espalda a la posibilidad de una carrera exitosa como pintor convencional en la línea del arte oficial. En 1874 Monet y sus colegas decidieron apelar directamente al público mediante la organización de sus propias exposiciones. Se denominaron a sí mismos independientes, aunque la prensa pronto les aplicó burlonamente la etiqueta de impresionistas a causa del aspecto inacabado de sus obras (como una primera impresión) y porque una de las pinturas de Monet llevaba el título Impresión, sol naciente (1872, Museo Marmottan, París).

Las composiciones de Monet de este periodo poseen una estructura bastante libre, aplicando el color con cortas y vigorosas pinceladas. Esta técnica viene determinada por la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre a la hora de captar una impresión de la naturaleza. Durante las décadas de 1870 y 1880 Monet refinó su técnica poco a poco, realizando viajes a otros escenarios franceses, especialmente a las costas mediterráneas y atlánticas, con el fin de estudiar los efectos de la luz sobre formas y colores.

El deshielo de Vétheuil de 1881 (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid) es un buen ejemplo de la obra de Monet de esta época. A mediados de la década de 1880 Monet, considerado el dirigente de la escuela impresionista, había alcanzado un reconocimiento importante y una buena posición económica. A pesar de la audacia de su colorido y de la extrema simplicidad de sus composiciones, se le valoró como un maestro de la observación meticulosa, un artista que no sacrificó ni las complejidades reales de la naturaleza ni la intensidad de sus propios sentimientos.

En 1890 tuvo la posibilidad de adquirir una propiedad en el pueblo de Giverny, cerca de París, y allí comenzó a construir un nuevo jardín (hoy abierto al público) —un estanque con nenúfares atravesado por un puente japonés colgante con sauces y matas de bambú—. En 1906 comienza a pintar las series del estanque con nenúfares que están expuestas en la Orangerie de París, en el Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Durante estos años también trabajó en otras series de pinturas, grupos de obras que representan el mismo tema —álamos, la catedral de Ruán, la estación de Saint-Lazare, el Sena— representando las diferentes luces de las horas del día o en las distintas estaciones del año. Monet continuó pintando, a pesar de que la vista le fallaba, casi hasta el momento de su muerte, ocurrida el 5 de diciembre de 1926 en Giverny.

El Neoclasicismo

Características

Contexto histórico social:

Ø En las artes plásticas, el movimiento europeo llamado «Neoclasicismo» comenzó después del año 1765, como una reacción a los estilos barroco y rococó.
Ø Con la llegada de la Revolución francesa (1789), el neoclasicismo se adoptó como el estilo propio de la burguesía frente al rococó aristocrático, la respuesta estética propia de la revolución.
Ø Las obras debían tener una intención didáctica y moralizante, lo cual viene ejemplificado en las obras de Jean-Baptiste Greuze (1725-1805), aún enmarcadas estilísticamente en el rococó.
Ø Se deseaba regresar a lo que se percibía como «pureza» de las artes de la Antigua Roma, la más vaga percepción («ideal») de las artes griegas y, en menor medida, al clasicismo renacentista.
Ø La Antigüedad grecorromana se puso de moda debido, en gran medida, a los descubrimientos arqueológicos de la época en Herculano (1738) y Pompeya (1748).
Ø Gracias al debate entre Lessing y Winckelmann a propósito de la estatuaria helenística, los artistas aprendieron que los grandes sufrimientos se expresan mediante movimientos contenidos y no con gesticulaciones desagradables.
Ø Los europeos del siglo XVIII veían en aquella Antigüedad clásica una época de esplendor, de virtudes éticas que, si se introducían en la sociedad de la época, podría ayudar a regenerarla.
Ø El problema que se encontraron los pintores fue que la pintura de la Antigua Grecia, estaba perdida irremisiblemente; así que los pintores neoclásicos la revivieron imaginariamente, en parte a través de frisos en bajorrelieve aunque era difícil superar su carencia de color. Gran parte de la pintura «neoclásica» no es más que clasicista en su tema.

Técnicas:

Ø Predominó el dibujo, la forma, sobre el colorido. Al destacar el dibujo sobre el color, este último era mero coloreado, que informaba sobre el contenido del cuadro, modelando los objetos representados, sin tener valor estético por sí mismo.
Ø A veces se usaba el claroscuro, con una iluminación intensa de los personajes que interpretaban la escena en el centro del cuadro, dejando en las tinieblas el resto del cuadro.
Ø Las pinturas neoclásicas carecen de colores pastel y de confusión; en lugar de ello, usan colores ácidos.
Ø La superficie del cuadro aparecía lisa, en la que difícilmente se apreciaban las pinceladas del autor, lo cual contribuía a establecer la distancia entre el autor y el tema y de éste con el espectador.
Ø Se cultivó sobre todo el cuadro de historia, reproduciendo los principales hechos de la Revolución francesa y exaltando los mitos griegos y romanos, a los que se identificó con los valores de la Revolución.
Ø Los temas representados siempre eran serios y eruditos, con intención moralizante: alegorías e historias que transmitían valores ejemplares como el sacrificio del héroe o el patriotismo.
Ø Generalmente se pintó al óleo sobre lienzo, pero también hubo frescos. Los cuadros respetan, en general, el carácter ortogonal del lienzo. El estilo buscaba la sencillez también en la composición.
Ø Cada cuadro se refería a un solo tema principal, sin temas secundarios superfluos que pudieran distraer. No son cuadros de gran profundidad, sino con una construcción frontal que recuerda a los frisos y bajorrelieves clásicos.
Ø Si la escena ocurría en un interior, a veces se dejaba este segundo plano en la penumbra para que nada distrajera de la escena que se desarrolla en primer término. En el marco se pintaban, en primer plano, un número limitado de figuras humanas que componían la escena, aislados por lo general los unos de los otros.
Ø Los personajes del Neoclasicismo estaban representados con una anatomía ideal, perfectas musculaturas sin defectos
Ø Se podían reproducir personajes desnudos si eran figuras masculinas: era el desnudo heroico clásico, si bien ocultos los genitales por algún elemento accesorio como colocado por azar. Si eran mujeres, no se representaban desnudas. Las posturas que adoptaban los personajes eran contenidas, no importaba cuán intenso fuese el sentimiento que podía dominar la escena, puesto que así conservaban esa belleza ideal, sin que el dolor deformara sus rasgos.
Ø En cuanto a los objetos que se incluían en las escenas, se buscaba una recreación casi arqueológica de la antigüedad reproduciendo muchas veces parte de los objetos encontrados en las excavaciones y descubrimientos.

El Rococó

El Rococó utiliza la sensualidad, la elegancia, la opulencia y el uso de colores vivos para contrastar con toda la oscuridad del estilo Barroco. Como podemos apreciar en la pintura de Fragonard, la sensualidad se expresa tanto en los gestos de los rostros de los personajes principales (la dama en el columpio y el joven que se encuentra apoyado sobre el suelo) como en la posición de la joven sobre el columpio, sus piernas y el hecho que se le está cayendo un zapato, sabemos que los pies tienen gran denotación sexual y al parecer ella no hace esto por casualidad sino a manera de coquetería.

La elegancia y opulencia se encuentran marcadas es los rasgos finos de los personajes, así como en sus vestimentas propias de una clase aristocrática. El tema que Fragonard nos presenta es un tema frívolo, que no simboliza nada social ni espiritual, solo superficialidad.

El empleo de los colores vivos en las pinturas del Rococó es algo que se repite a lo largo de todas las pinturas atribuidas a este arte y es que el estilo Rococó intenta desligarse de el uso del claroscuro de el Arte Barroco, en la pintura podemos apreciar que nada se encuentra en completa oscuridad y que muy por el contrario casi todo se encuentra iluminado por una luz natural. Los colores más utilizados en esta época son los tonos pasteles o terrosos los cuales podemos apreciar en el vestido de la dama y en la naturaleza que la acompaña.

Diferencias entre el Barroco y Rococó

La pintura barroca se caracterizó principalmente porque sus artistas intentaban plasmar emociones, sentimientos, pasiones y temperamentos, reflejados en su mayoría en los rostros de sus personajes. Las representaciones tenían gran emotividad y los personajes mostraban los sentimientos muy intensamente. Asimismo los temas que trataba la pintura Barroca no eran para nada superficiales más bien se trataban de tocar temas realistas y representan tal cual lo bello, lo feo, lo agradable, lo desagradable, etc.
El barroco también se caracterizo por una ausencia de sensualidad. La pintura barroca se caracterizó por tocar los siguientes temas: escenas religiosas, retratos, mitología, escenas cortesanas e imágenes de la vida cotidiana, aunque empiezan a desarrollarse también los paisajes y los bodegones, que también recibe el nombre de “naturaleza muerta”. Se utilizó como uno de los estilos principales el claroscuro o el tenebrismo de Caravaggio así como colores no tan vivaces ya que las formas se definían mediante sombras y no mediante los colores en sí.
Por otro lado, el Rococó es un estilo independiente que surge como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV y, a diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la elegancia, la sensualidad, la galantería y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el claroscuro del barroco. Es un estilo aristocrático, revela el gusto por lo elegante, lo refinado, lo íntimo y lo delicado. Plasma una vida despreocupada y agradable que la sociedad ansía y se desentiende de cuestiones religiosas. Es un arte mundano, sin conexión con la religión, que trata temas de la vida diaria, no simboliza nada social ni espiritual, sólo superficialidad. Por todo esto se considera la pintura Rococó como una pintura frívola, exclusiva de la aristocracia.

Rembrandt

Este famoso pintor nació el 15 de Julio de 1606 en Leiden, Holanda. Sus padres nunca escatimaron en su educación, primero fue instruido por un maestro del pueblo Jacob van Swanenburch, y más tarde, en Ámsterdam, con Pieter Lastman. Vuelve a Leiden donde comienza a impartir clases con solo 22 años.
Luego regresa a Ámsterdam en donde se casa en 1634 con Saskia van Uylenburgh que le pone en contacto con una alta sociedad que el encarga numerosos retratos. Establece su primer taller con varios discípulos. Pero su vida familiar es desastrosa, tres de sus cuatro hijos mueren en menos de 7 años.

En 1956 , Rembrandt se encuentra en la bancarrota debido a una vida llena de escándalos y opulencia que mantiene a partir del año 1949 en el que comienza un tórrido romance con Hendrickje Stoffels, su ama de llaves, quien empezó posando para él en muchas de sus pinturas.

Todo esto no afecta en lo más mínimo a su pintura, que por el contrario se hace cada vez más sólida y ejemplar. Se adentra en la comprensión de la naturaleza humana y traslada esta comprensión a sus obras.

A partir del año 1663, año en el que muere Hendrickje, no mejora. En 1668 muere su último hijo y en octubre del año siguiente Rembrandt encontraría también la muerte.
Entre las principales características de su obra se encuentra el uso del claroscuro o tenebrismo, los fuertes contrastes, el empleo de colores oscuros animados por el rojo, las expresiones de los personajes y su pincelada rápida. Se diferencia de los demás artistas de su época debido a las escenas vividas y dramáticas que suele pintar y que destacan sobre la rígida formalidad otros pintores.

Caravaggio

Miguel Ángel Merisi da Caravaggio, fue un pintor italiano con una gran influencia tanto en Italia como en el exterior. Toma su nombre de la aldea donde nació y recibió su primer entrenamiento como pintor en Milán en donde se especializo en el naturalismo.
Este gran pintor es particularmente reconocido por el uso del claroscuro, una técnica que usa la luz y la oscuridad para lograr un efecto 3D. Caravaggio rompe la tradición de las figuras simétricas y los fondos detallados. En 1595 el talento de Caravaggio es reconocido por el cardenal Francisco del Monte, quien subsecuentemente se convierte en su primer empleador o patrón. Las tres pinturas de Caravaggio acerca de la vida de San Mateo causan sensación: nunca antes un santo había sido mostrado o pintado de esa manera. Después de este éxito, Caravaggio toma todos sus temas del Nuevo Testamento.
La vida de Caravaggio fue tan turbulenta como su personalidad. Tuvo muchos problemas con la ley y fue arrestado en varias ocasiones. En 1606, Caravaggio es expulsado de Roma por matar a un hombre durante una pelea, entonces marcha a Malta de donde fue expulsado nuevamente por asesinato. Es ahí cuando decide desplazarse hacia Nápoles y Sicilia en donde siguió obteniendo enemigos hasta su muerte en 1610. Durante este viaje él hace muchas obras maestras, como “La decapitación de San Juan el Bautista”, la cual pinta en Malta. Caravaggio muere antes de llegar a Roma, probablemente de neumonía, en Puerto Ercole. Muchos días después de su muerte llega una carta con su absolución papal.
La influencia de Caravaggio es mundial: fuera de Italia el influenció pintores tan diversos como Georges de La Tour y miembros de la Escuela Utrech, como por ejemplo, Gerrit van Honthorst- artistas que luego influenciarían al mismo Rembrandt.

Barroco y su contexto histórico

El barroco no solo fue un periodo en la historia del arte sino un movimiento cultural muy importante que se extendió de diversas maneras: literatura, escultura, pintura, danza y música. Tuvo su existencia entre los años 1600 y 1750 aproximadamente.

Esta es una época de numerosos descubrimientos que no eran para nada convenientes para la Iglesia Católica, descubrimientos tales como los de Galileo Galilei que en numerosas ocasiones fue castigado duramente por la Santa Inquisición debido a que compartió sus conocimientos con el mundo a través de sus libros los cuales, según decreto de la Iglesia Católica, no debían ser publicados y menos distribuidos.

Además, en estos tiempos la Iglesia Católica luchó contra numerosos movimientos revolucionarios culturales siendo el más importante el movimiento religioso llamado la Reforma Protestante el cual estaba en contra de muchas de las cosas que venía haciendo la Iglesia y, principalmente, de la venta de indulgencias. La reforma protestante comenzó con la predicación del sacerdote agustiniano Martin Lutero quien rechazaba la exculpación del pecado por medio de dinero.

Es así, que la Iglesia Católica presentó el Concilio de Trento y la Contrarreforma o, en realidad, la Reforma Católica que no va contra algo sino en busca de una adaptación a los nuevos y cambiantes tiempos. Esta Contrarreforma traería consigo un nuevo estilo de arte: El Arte Barroco. Tras el renacimiento y el manierismo, la Roma de la Iglesia Católica se da cuenta de la necesidad de la aparición de este nuevo arte. La independencia de las republicas de Italia ya no es la misma tras dos siglos de batallas entre las principales potencias europeas por controlar el nuevo mercado centrado en el Mediterráneo. Por otro lado, el descubrimiento de América desplaza el polo económico hacia el Atlántico, cuyas rutas son dominadas por españoles, portugueses e ingleses. Esto provoca que las repúblicas italianas se reagrupen bajo un poder más fuerte y las que no caen bajo control extranjero (España y Francia) se someten a la influencia de los Estados Vaticanos.
Los principales teólogos de la época que fueron reunidos en el concilio, en su mayoría de proveniencia española, proclaman ciertos dogmas que habían de ser representados por los principales artistas de la época al servicio de la iglesia. La Iglesia fue la primera en entender que podían utilizar los cuadros como medio de propaganda para que los fieles estuvieran satisfechos con ella. Pero los artistas no sólo estuvieron a la disposición de la Iglesia pues muy pronto los ricos comerciantes y los miembros de la nobleza comenzaron a adquirir pinturas de este estilo, pagando un muy buen precio por cada una de ellas.
En resumen, los principales hechos históricos ocurridos para la consolidación del Barroco serían:

Ø La Iglesia Católica y la Contrarreforma. El siglo XVII es, en general, una época de constantes luchas para la Iglesia que buscaba la manera de volver a obtener seguidores y acallar las dudas que se cernían sobre ella.
Ø Las graves dificultades económicas provocan un malestar general.
Ø La crisis económica, las continuas guerras, las epidemias y la emigración a América hacen descender la población española.
Ø Aumentan las diferencias entre los estamentos (claro contraste entre el lujo de la nobleza y la pobreza del pueblo llano).
Ø Se dan nuevos descubrimientos que ponen en peligro las afirmaciones de la Iglesia.
Ø Las guerras existentes por controlar el mercado centrado en el Mediterráneo.
Ø El descubrimiento de América desplaza el polo económico hacia el Atlántico.
Ø España se encuentra gobernada por la dinastía de los Austrias (Felipe III, Felipe IV y Carlos II) y pierde la hegemonía política y militar que había alcanzado en el siglo anterior.
Ø España, de la mano de la Monarquía Hispánica de los Habsburgo, es el paladín de la Contrarreforma Católica derivada del Concilio de Trento.
Ø El poder que la Iglesia Católica alcanza en España y la expansión de la religión en el marco del Imperio Americano, determinarán su extraordinaria difusión geográfica.