Vincent Van Gogh

Autoretrato de Van Gogh

(Groot-Zundert, Países Bajos, 1853 - Auvers-sur-Oise, Francia, 1890) Pintor holandés. Vincent Van Gogh era el mayor de los seis hijos de un pastor protestante, y mantuvo con su hermano Theo, cuatro años menor que él, una relación que sería determinante en su existencia y su trayectoria artística. La correspondencia que ambos intercambiaron a lo largo de toda la vida es el testimonio de la intensidad de esta relación.

Tras recibir una esmerada educación en un internado privado, con dieciséis años entró como aprendiz en la filial de La Haya de la galería de arte parisina Goupil & Cie., fundada por su tío Vincent; allí conoció las obras de la escuela de Barbizon.

El traslado de Van Gogh a Londres en 1873 señaló el inicio de una primera etapa creativa. Tras un rechazo amoroso, se volvió cada vez más solitario, hasta que en 1878 se vio impelido por la necesidad de entregarse a sus semejantes, y tras intentar estudiar teología, decidió satisfacer su vocación uniéndose a los mineros de la Borinage. En este período realizó una serie de dibujos de los mineros.
Hacia 1880, tras ser expulsado por su excesiva implicación, descubrió en la pintura su auténtica vocación, considerándola una vía para consolar a la humanidad. En los primeros años de la década de 1880 estudió con diversos pintores, entre los que cabe destacar a Anton Mauve. Su rápida evolución y el conocimiento de los impresionistas lo llevaron a abandonar la enseñanza académica y a reunirse con Theo en París en 1876.

La habitación de Vincent en Arlés (1888)

Su hermano le presentó a Pissarro, Seurat y Gauguin, y esta situación coincidiría con la definición de su pintura. Su paleta se tornó definitivamente colorista y su visión, menos tradicional, dando forma a su personal visión del postimpresionismo. Su interés por el color y por la captación de la naturaleza lo indujo a trasladarse a Arles, donde su obra fue progresivamente expresando con mayor claridad sus sentimientos sobre lo representado y su propio estado mental.

Con la pretensión de crear el grupo de los «impresionistas del sur», Van Gogh alquiló una casa donde invitó a los artistas con quienes compartía intereses y en la que Gauguin pasaría dos meses. La primera crisis mental, en la que se cortó parte de la oreja izquierda, tuvo lugar en la Navidad del mismo año 1888.

En abril del año siguiente, ante el temor a perder su capacidad para trabajar, pidió ser ingresado en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence donde permaneció doce meses. Tras sufrir diversos ataques y ante la imposibilidad de salir al exterior a pintar, realizó obras relacionadas con el hospital, retratos de médicos y reinterpretaciones de obras de Rembrandt, Delacroix y Millet.
La pérdida de contacto con la realidad y una progresiva sensación de tristeza son las claves de este período en el que Van Gogh desarrolló un estilo basado en formas dinámicas y en el uso vigoroso de la línea, de lo cual resultó una pintura más intrépida y visionaria que la de Arles.

Campos de trigo de Cipres

FRANCOIS MILLET

Pintor de género y paisajista francés, nacido en Gruchy. Inició sus estudios de pintura en Cherburgo en el arte del dibujo en su pueblo natal pero el fallecimiento de su padre provocaría la retirada temporal del mundo artístico hasta que el ayuntamiento de Grouchy otorgó una beca al joven creador para que estudiase en París. Allí fue discípulo de P. Delaroche y frecuentó el Museo del Louvre donde estudia a todos los grandes maestros de la pintura.

Después de 1840 se alejó del estilo de pintura oficial y cayó bajo la infuencia de Honore Daumier, de quien aprendió el sentido del contraste de luces y sombras, así como la construcción del cuerpo humano, con simplicidad de volúmenes. Inicialmente se dedicó al retrato y a la mitología para empezar a trabajar más tarde en la temática campesina continuando los dictados realista de Courbet. Daumier, J. Dupré y C. Troyon le animan a participar en el Salon de 1848. Lo hace con la obra El cribador, hoy en día en el Museo de Louvre de París. Se trata de su primera composición con tema de campesinos por el que, más tarde, se le reconocerá y admirará, sobre todo, por otros artistas del siglo XX como el propio Salvador Dalí, en su conocida obra El Angelus .

En 1849 llegó a Barbizon, entrando en el círculo de la escuela que toma el nombre de esta localidad .Después de residir doce años en París y Normandía, Millet se unió a la escuela de Barbizon de artistas paisajistas. Allí pintó algunas de sus obras más célebres de campesinos trabajando en el campo, entre las que se incluyen Las espigadoras (1857, Museo del Louvre, París) y El Ángelus (1857-1859, Museo Orsay, París), así como El sembrador (1850) y Los plantadores de patatas (1862), ambos en el Museo de Bellas Artes de Boston. Aunque Millet no pretendió plasmar una protesta social a través de su obra, los temas en los que centró su trabajó provocaron de forma inevitable tal interpretación.El Angelus.

En 1859 se instala en Barbizon, donde permanecerá el resto de sus días, interesado en asuntos rurales que le valieron la catalogación de socialista. En sus obras describe científicamente el duro trabajo de los campesinos, que acompaña con toques de espiritualidad. A pesar de residir en Barbizon nunca tomará parte en esa Escuelade pintores que allí se formó aunque él mismo los visita e incluso aunque tenían algunos puntos en común como la búsqueda de un mayor naturalismo. Hacia la década de los sesenta, su pintura se centra en la visión de un nuevo paisaje influido por Rousseau y realizado con pastel donde se pueden llegar a apreciar efectos casi impresionistas y caracteres del Simbolismo. Sus deliciosas escenas del mundo rural francés influirán en Van Gogh.

Millet y Rousseau pronto intimaron y Rousseau, con más recursos económicos ayudaba al pobre Millet. Ambos murieron en Barbizon con pocos años de diferencia y se encuentran enterrados a muy poca distancia uno de otro.

El Romanticismo

Si en la Ilustración brillaba la luz, en el Romanticismo nos abruman las tinieblas. Bajo el nombre de "Romanticismo" se esconde un grito desgarrador de libertad. Después de la caída de Napoleón, el Romanticismo, es una vía de escape para las jóvenes generaciones que aspiran a encarnar los principios revolucionarios.

El Romanticismo puede entenderse como la "primera vanguardia en la Historia del Arte", se inaugura la entrada en una nueva época, la nuestra:

-El arte deja de regirse por la doctrina del Clasicismo.
-El objetivo principal del arte no es la belleza, sino la expresión y sentimientos que pueden abrir horizontes mucho más amplios.
-Emerge un deseo de que aparezca lo nuevo, insólito, oculto, reprimido, en una palabra, lo sublime, lo que está más allá del límite. Esta ansiedad provoca mucho más placer estético que la belleza.
-Prima la subjetividad en detrimento de lo objetivo. Por medio del arte se intenta expresar el mundo interior del artista, aunque para ello haya que recurrir a mundos oscuros, penumbras o sueños.
-Cobra importancia el tema de la magnitud. Se siente el mundo como algo inabarcable a lo que el hombre es incapaz de llegar. Esto genera un sentimiento de inferioridad y una angustia ante las fuerzas incontrolables de la Naturaleza.
-Impera la Historia Nacional. En el Romanticismo se alza el orgullo de las lenguas locales, las raíces profundas de los pueblos natales. Se buscan los orígenes remotos de lo primigenio.
-Amor a la Edad Media y sus valores: ruralización, feudalismo y por lo general, todo aquello que rechazaba el racionalismo ilustrado.
-Hay un vivencia profunda de la religión.
-Se impone el gusto por lo exótico. Se valora lo distinto, de ahí que la mirada se fije profundamente en mundos orientales.

Los representantes en los distintos ámbitos de Europa:

Romanticismo francés:

Gros
Ingres
Géricault
Delacroix

Romanticismo español:

Panorama general
Goya

Romanticismo alemán:
Gaspar D.Friedrich

Romanticismo inglés:

William Blake

Edouard Manet

Pintor francés, cuyo trabajo inspiró el estilo impresionista, pero que rehusó identificar su trabajo con este movimiento. El largo alcance de su influencia en la pintura francesa y en el desarrollo del arte moderno en general se debió a su forma de retratar la vida cotidiana, a su utilización de amplias y simples áreas de color y a su técnica de pincelada vívida. Manet nació en París el 23 de enero de 1832, hijo de un alto funcionario del gobierno. Para no estudiar derecho, tal y como deseaba su padre, intentó hacer la carrera de marino, aunque no superó las pruebas de ingreso. Después, estudió en París con el pintor académico francés Thomas Couture y visitó Alemania, los Países Bajos e Italia para estudiar la pintura de los viejos maestros.

La obra de Frans Hals, Diego Velázquez y Francisco de Goya fueron las principales influencias en su arte. Manet empezó pintando temas de género, como mendigos, pícaros, personajes de café y escenas taurinas españolas. Adoptó una atrevida técnica de pincelada directa en su tratamiento de los temas realistas. En 1863 su famoso La merienda campestre (Musée Orsay, París) fue exhibido en el Salón de los Rechazados, una nueva sala de exposiciones abierta por Napoleon III accediendo a las protestas de los artistas rechazados en el Salón Oficial. El lienzo de Manet que representaba una mujer totalmente desnuda acompañada de dos hombres completamente vestidos atrajo inmediatamente la atención general, pero fue atacado con dureza por los críticos. Aclamado como líder por los pintores jóvenes, Manet se convirtió en figura central de la disputa entre el arte académico y el arte rebelde de su tiempo. En 1864 el Salón Oficial aceptó dos obras suyas, y en 1865 expuso su Olimpia (1863, Musée Orsay), desnudo basado en una Venus de Tiziano, que levantó una tormenta de protestas dentro de los círculos académicos dado su realismo poco ortodoxo. En 1866 el novelista francés Émile Zola, que defendía el arte de Monet en el periódico Figaro, se hizo buen amigo del pintor. Pronto se le unió el joven grupo de pintores impresionistas, Edgar Degas, Claude Monet, Auguste Renoir, Alfred Sisley y Camille Pissarro. Su maestría no fue reconocida hasta una edad avanzada.

En 1882 una de sus mejores obras, El bar del Folies-Bergére (Courtauld Institute Galleries, Londres), fue expuesta en el Salón, y un viejo amigo, el ministro de bellas artes, consiguió para el artista la Legión de Honor. También en 1882 pintó La amazona de frente (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid), lienzo inacabado, que muestra la firmeza de construcción del pintor y su tendencia o contraponer grandes masas de color claras y oscuras. Manet murió en París el 30 de abril de 1883. Dejó, aparte de muchas acuarelas y pasteles, 420 óleos.

Claude Monet

Pintor impresionista francés que llevó a su máxima expresión el estudio de los estados transitorios de la luz natural. Monet nació en París el 14 de noviembre de 1840, aunque pasó la mayor parte de su niñez en Le Havre, donde estudió dibujo en su adolescencia y pintó marinas al aire libre con Eugène Louis Boudin.

Hacia 1859 Monet había decidido firmemente comenzar su carrera de artista para lo que pasaba largas temporadas en París. En la década de 1860 se le asoció con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que más tarde formarían la escuela impresionista—Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y Alfred Sisley.

Monet pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y así comenzó a tener cierto éxito en las exposiciones oficiales. Sin embargo, a medida que su estilo evolucionaba, Monet transgredía con frecuencia los convencionalismos artísticos tradicionales en beneficio de una expresión artística más directa. Sus experimentos al aire libre se hacían cada vez más audaces, buscando la reproducción de la luz del día por medio de una aplicación libre de colores brillantes. De este modo, deliberadamente le dio la espalda a la posibilidad de una carrera exitosa como pintor convencional en la línea del arte oficial. En 1874 Monet y sus colegas decidieron apelar directamente al público mediante la organización de sus propias exposiciones. Se denominaron a sí mismos independientes, aunque la prensa pronto les aplicó burlonamente la etiqueta de impresionistas a causa del aspecto inacabado de sus obras (como una primera impresión) y porque una de las pinturas de Monet llevaba el título Impresión, sol naciente (1872, Museo Marmottan, París).

Las composiciones de Monet de este periodo poseen una estructura bastante libre, aplicando el color con cortas y vigorosas pinceladas. Esta técnica viene determinada por la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre a la hora de captar una impresión de la naturaleza. Durante las décadas de 1870 y 1880 Monet refinó su técnica poco a poco, realizando viajes a otros escenarios franceses, especialmente a las costas mediterráneas y atlánticas, con el fin de estudiar los efectos de la luz sobre formas y colores.

El deshielo de Vétheuil de 1881 (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid) es un buen ejemplo de la obra de Monet de esta época. A mediados de la década de 1880 Monet, considerado el dirigente de la escuela impresionista, había alcanzado un reconocimiento importante y una buena posición económica. A pesar de la audacia de su colorido y de la extrema simplicidad de sus composiciones, se le valoró como un maestro de la observación meticulosa, un artista que no sacrificó ni las complejidades reales de la naturaleza ni la intensidad de sus propios sentimientos.

En 1890 tuvo la posibilidad de adquirir una propiedad en el pueblo de Giverny, cerca de París, y allí comenzó a construir un nuevo jardín (hoy abierto al público) —un estanque con nenúfares atravesado por un puente japonés colgante con sauces y matas de bambú—. En 1906 comienza a pintar las series del estanque con nenúfares que están expuestas en la Orangerie de París, en el Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Durante estos años también trabajó en otras series de pinturas, grupos de obras que representan el mismo tema —álamos, la catedral de Ruán, la estación de Saint-Lazare, el Sena— representando las diferentes luces de las horas del día o en las distintas estaciones del año. Monet continuó pintando, a pesar de que la vista le fallaba, casi hasta el momento de su muerte, ocurrida el 5 de diciembre de 1926 en Giverny.

El Neoclasicismo

Características

Contexto histórico social:

Ø En las artes plásticas, el movimiento europeo llamado «Neoclasicismo» comenzó después del año 1765, como una reacción a los estilos barroco y rococó.
Ø Con la llegada de la Revolución francesa (1789), el neoclasicismo se adoptó como el estilo propio de la burguesía frente al rococó aristocrático, la respuesta estética propia de la revolución.
Ø Las obras debían tener una intención didáctica y moralizante, lo cual viene ejemplificado en las obras de Jean-Baptiste Greuze (1725-1805), aún enmarcadas estilísticamente en el rococó.
Ø Se deseaba regresar a lo que se percibía como «pureza» de las artes de la Antigua Roma, la más vaga percepción («ideal») de las artes griegas y, en menor medida, al clasicismo renacentista.
Ø La Antigüedad grecorromana se puso de moda debido, en gran medida, a los descubrimientos arqueológicos de la época en Herculano (1738) y Pompeya (1748).
Ø Gracias al debate entre Lessing y Winckelmann a propósito de la estatuaria helenística, los artistas aprendieron que los grandes sufrimientos se expresan mediante movimientos contenidos y no con gesticulaciones desagradables.
Ø Los europeos del siglo XVIII veían en aquella Antigüedad clásica una época de esplendor, de virtudes éticas que, si se introducían en la sociedad de la época, podría ayudar a regenerarla.
Ø El problema que se encontraron los pintores fue que la pintura de la Antigua Grecia, estaba perdida irremisiblemente; así que los pintores neoclásicos la revivieron imaginariamente, en parte a través de frisos en bajorrelieve aunque era difícil superar su carencia de color. Gran parte de la pintura «neoclásica» no es más que clasicista en su tema.

Técnicas:

Ø Predominó el dibujo, la forma, sobre el colorido. Al destacar el dibujo sobre el color, este último era mero coloreado, que informaba sobre el contenido del cuadro, modelando los objetos representados, sin tener valor estético por sí mismo.
Ø A veces se usaba el claroscuro, con una iluminación intensa de los personajes que interpretaban la escena en el centro del cuadro, dejando en las tinieblas el resto del cuadro.
Ø Las pinturas neoclásicas carecen de colores pastel y de confusión; en lugar de ello, usan colores ácidos.
Ø La superficie del cuadro aparecía lisa, en la que difícilmente se apreciaban las pinceladas del autor, lo cual contribuía a establecer la distancia entre el autor y el tema y de éste con el espectador.
Ø Se cultivó sobre todo el cuadro de historia, reproduciendo los principales hechos de la Revolución francesa y exaltando los mitos griegos y romanos, a los que se identificó con los valores de la Revolución.
Ø Los temas representados siempre eran serios y eruditos, con intención moralizante: alegorías e historias que transmitían valores ejemplares como el sacrificio del héroe o el patriotismo.
Ø Generalmente se pintó al óleo sobre lienzo, pero también hubo frescos. Los cuadros respetan, en general, el carácter ortogonal del lienzo. El estilo buscaba la sencillez también en la composición.
Ø Cada cuadro se refería a un solo tema principal, sin temas secundarios superfluos que pudieran distraer. No son cuadros de gran profundidad, sino con una construcción frontal que recuerda a los frisos y bajorrelieves clásicos.
Ø Si la escena ocurría en un interior, a veces se dejaba este segundo plano en la penumbra para que nada distrajera de la escena que se desarrolla en primer término. En el marco se pintaban, en primer plano, un número limitado de figuras humanas que componían la escena, aislados por lo general los unos de los otros.
Ø Los personajes del Neoclasicismo estaban representados con una anatomía ideal, perfectas musculaturas sin defectos
Ø Se podían reproducir personajes desnudos si eran figuras masculinas: era el desnudo heroico clásico, si bien ocultos los genitales por algún elemento accesorio como colocado por azar. Si eran mujeres, no se representaban desnudas. Las posturas que adoptaban los personajes eran contenidas, no importaba cuán intenso fuese el sentimiento que podía dominar la escena, puesto que así conservaban esa belleza ideal, sin que el dolor deformara sus rasgos.
Ø En cuanto a los objetos que se incluían en las escenas, se buscaba una recreación casi arqueológica de la antigüedad reproduciendo muchas veces parte de los objetos encontrados en las excavaciones y descubrimientos.

El Rococó

El Rococó utiliza la sensualidad, la elegancia, la opulencia y el uso de colores vivos para contrastar con toda la oscuridad del estilo Barroco. Como podemos apreciar en la pintura de Fragonard, la sensualidad se expresa tanto en los gestos de los rostros de los personajes principales (la dama en el columpio y el joven que se encuentra apoyado sobre el suelo) como en la posición de la joven sobre el columpio, sus piernas y el hecho que se le está cayendo un zapato, sabemos que los pies tienen gran denotación sexual y al parecer ella no hace esto por casualidad sino a manera de coquetería.

La elegancia y opulencia se encuentran marcadas es los rasgos finos de los personajes, así como en sus vestimentas propias de una clase aristocrática. El tema que Fragonard nos presenta es un tema frívolo, que no simboliza nada social ni espiritual, solo superficialidad.

El empleo de los colores vivos en las pinturas del Rococó es algo que se repite a lo largo de todas las pinturas atribuidas a este arte y es que el estilo Rococó intenta desligarse de el uso del claroscuro de el Arte Barroco, en la pintura podemos apreciar que nada se encuentra en completa oscuridad y que muy por el contrario casi todo se encuentra iluminado por una luz natural. Los colores más utilizados en esta época son los tonos pasteles o terrosos los cuales podemos apreciar en el vestido de la dama y en la naturaleza que la acompaña.

Diferencias entre el Barroco y Rococó

La pintura barroca se caracterizó principalmente porque sus artistas intentaban plasmar emociones, sentimientos, pasiones y temperamentos, reflejados en su mayoría en los rostros de sus personajes. Las representaciones tenían gran emotividad y los personajes mostraban los sentimientos muy intensamente. Asimismo los temas que trataba la pintura Barroca no eran para nada superficiales más bien se trataban de tocar temas realistas y representan tal cual lo bello, lo feo, lo agradable, lo desagradable, etc.
El barroco también se caracterizo por una ausencia de sensualidad. La pintura barroca se caracterizó por tocar los siguientes temas: escenas religiosas, retratos, mitología, escenas cortesanas e imágenes de la vida cotidiana, aunque empiezan a desarrollarse también los paisajes y los bodegones, que también recibe el nombre de “naturaleza muerta”. Se utilizó como uno de los estilos principales el claroscuro o el tenebrismo de Caravaggio así como colores no tan vivaces ya que las formas se definían mediante sombras y no mediante los colores en sí.
Por otro lado, el Rococó es un estilo independiente que surge como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV y, a diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la elegancia, la sensualidad, la galantería y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el claroscuro del barroco. Es un estilo aristocrático, revela el gusto por lo elegante, lo refinado, lo íntimo y lo delicado. Plasma una vida despreocupada y agradable que la sociedad ansía y se desentiende de cuestiones religiosas. Es un arte mundano, sin conexión con la religión, que trata temas de la vida diaria, no simboliza nada social ni espiritual, sólo superficialidad. Por todo esto se considera la pintura Rococó como una pintura frívola, exclusiva de la aristocracia.

Rembrandt

Este famoso pintor nació el 15 de Julio de 1606 en Leiden, Holanda. Sus padres nunca escatimaron en su educación, primero fue instruido por un maestro del pueblo Jacob van Swanenburch, y más tarde, en Ámsterdam, con Pieter Lastman. Vuelve a Leiden donde comienza a impartir clases con solo 22 años.
Luego regresa a Ámsterdam en donde se casa en 1634 con Saskia van Uylenburgh que le pone en contacto con una alta sociedad que el encarga numerosos retratos. Establece su primer taller con varios discípulos. Pero su vida familiar es desastrosa, tres de sus cuatro hijos mueren en menos de 7 años.

En 1956 , Rembrandt se encuentra en la bancarrota debido a una vida llena de escándalos y opulencia que mantiene a partir del año 1949 en el que comienza un tórrido romance con Hendrickje Stoffels, su ama de llaves, quien empezó posando para él en muchas de sus pinturas.

Todo esto no afecta en lo más mínimo a su pintura, que por el contrario se hace cada vez más sólida y ejemplar. Se adentra en la comprensión de la naturaleza humana y traslada esta comprensión a sus obras.

A partir del año 1663, año en el que muere Hendrickje, no mejora. En 1668 muere su último hijo y en octubre del año siguiente Rembrandt encontraría también la muerte.
Entre las principales características de su obra se encuentra el uso del claroscuro o tenebrismo, los fuertes contrastes, el empleo de colores oscuros animados por el rojo, las expresiones de los personajes y su pincelada rápida. Se diferencia de los demás artistas de su época debido a las escenas vividas y dramáticas que suele pintar y que destacan sobre la rígida formalidad otros pintores.

Caravaggio

Miguel Ángel Merisi da Caravaggio, fue un pintor italiano con una gran influencia tanto en Italia como en el exterior. Toma su nombre de la aldea donde nació y recibió su primer entrenamiento como pintor en Milán en donde se especializo en el naturalismo.
Este gran pintor es particularmente reconocido por el uso del claroscuro, una técnica que usa la luz y la oscuridad para lograr un efecto 3D. Caravaggio rompe la tradición de las figuras simétricas y los fondos detallados. En 1595 el talento de Caravaggio es reconocido por el cardenal Francisco del Monte, quien subsecuentemente se convierte en su primer empleador o patrón. Las tres pinturas de Caravaggio acerca de la vida de San Mateo causan sensación: nunca antes un santo había sido mostrado o pintado de esa manera. Después de este éxito, Caravaggio toma todos sus temas del Nuevo Testamento.
La vida de Caravaggio fue tan turbulenta como su personalidad. Tuvo muchos problemas con la ley y fue arrestado en varias ocasiones. En 1606, Caravaggio es expulsado de Roma por matar a un hombre durante una pelea, entonces marcha a Malta de donde fue expulsado nuevamente por asesinato. Es ahí cuando decide desplazarse hacia Nápoles y Sicilia en donde siguió obteniendo enemigos hasta su muerte en 1610. Durante este viaje él hace muchas obras maestras, como “La decapitación de San Juan el Bautista”, la cual pinta en Malta. Caravaggio muere antes de llegar a Roma, probablemente de neumonía, en Puerto Ercole. Muchos días después de su muerte llega una carta con su absolución papal.
La influencia de Caravaggio es mundial: fuera de Italia el influenció pintores tan diversos como Georges de La Tour y miembros de la Escuela Utrech, como por ejemplo, Gerrit van Honthorst- artistas que luego influenciarían al mismo Rembrandt.

Barroco y su contexto histórico

El barroco no solo fue un periodo en la historia del arte sino un movimiento cultural muy importante que se extendió de diversas maneras: literatura, escultura, pintura, danza y música. Tuvo su existencia entre los años 1600 y 1750 aproximadamente.

Esta es una época de numerosos descubrimientos que no eran para nada convenientes para la Iglesia Católica, descubrimientos tales como los de Galileo Galilei que en numerosas ocasiones fue castigado duramente por la Santa Inquisición debido a que compartió sus conocimientos con el mundo a través de sus libros los cuales, según decreto de la Iglesia Católica, no debían ser publicados y menos distribuidos.

Además, en estos tiempos la Iglesia Católica luchó contra numerosos movimientos revolucionarios culturales siendo el más importante el movimiento religioso llamado la Reforma Protestante el cual estaba en contra de muchas de las cosas que venía haciendo la Iglesia y, principalmente, de la venta de indulgencias. La reforma protestante comenzó con la predicación del sacerdote agustiniano Martin Lutero quien rechazaba la exculpación del pecado por medio de dinero.

Es así, que la Iglesia Católica presentó el Concilio de Trento y la Contrarreforma o, en realidad, la Reforma Católica que no va contra algo sino en busca de una adaptación a los nuevos y cambiantes tiempos. Esta Contrarreforma traería consigo un nuevo estilo de arte: El Arte Barroco. Tras el renacimiento y el manierismo, la Roma de la Iglesia Católica se da cuenta de la necesidad de la aparición de este nuevo arte. La independencia de las republicas de Italia ya no es la misma tras dos siglos de batallas entre las principales potencias europeas por controlar el nuevo mercado centrado en el Mediterráneo. Por otro lado, el descubrimiento de América desplaza el polo económico hacia el Atlántico, cuyas rutas son dominadas por españoles, portugueses e ingleses. Esto provoca que las repúblicas italianas se reagrupen bajo un poder más fuerte y las que no caen bajo control extranjero (España y Francia) se someten a la influencia de los Estados Vaticanos.
Los principales teólogos de la época que fueron reunidos en el concilio, en su mayoría de proveniencia española, proclaman ciertos dogmas que habían de ser representados por los principales artistas de la época al servicio de la iglesia. La Iglesia fue la primera en entender que podían utilizar los cuadros como medio de propaganda para que los fieles estuvieran satisfechos con ella. Pero los artistas no sólo estuvieron a la disposición de la Iglesia pues muy pronto los ricos comerciantes y los miembros de la nobleza comenzaron a adquirir pinturas de este estilo, pagando un muy buen precio por cada una de ellas.
En resumen, los principales hechos históricos ocurridos para la consolidación del Barroco serían:

Ø La Iglesia Católica y la Contrarreforma. El siglo XVII es, en general, una época de constantes luchas para la Iglesia que buscaba la manera de volver a obtener seguidores y acallar las dudas que se cernían sobre ella.
Ø Las graves dificultades económicas provocan un malestar general.
Ø La crisis económica, las continuas guerras, las epidemias y la emigración a América hacen descender la población española.
Ø Aumentan las diferencias entre los estamentos (claro contraste entre el lujo de la nobleza y la pobreza del pueblo llano).
Ø Se dan nuevos descubrimientos que ponen en peligro las afirmaciones de la Iglesia.
Ø Las guerras existentes por controlar el mercado centrado en el Mediterráneo.
Ø El descubrimiento de América desplaza el polo económico hacia el Atlántico.
Ø España se encuentra gobernada por la dinastía de los Austrias (Felipe III, Felipe IV y Carlos II) y pierde la hegemonía política y militar que había alcanzado en el siglo anterior.
Ø España, de la mano de la Monarquía Hispánica de los Habsburgo, es el paladín de la Contrarreforma Católica derivada del Concilio de Trento.
Ø El poder que la Iglesia Católica alcanza en España y la expansión de la religión en el marco del Imperio Americano, determinarán su extraordinaria difusión geográfica.

Eugène Delacroix (Charenton-Saint-Maurice, Francia, 1798-París, 1863)

Pintor francés. Nacido en el seno de una familia formada por Charles Delacroix, político de profesión, y Victoire Oeben, que pertenecía a una familia de artesanos y dibujantes, aunque se decía que su padre fue Talleyrand, un diplomático amigo de la familia. Se formó en el estudio de Pierre Guérin, pero debe sus rasgos estilísticos a Géricault y Gros, coetáneos a los que admiró, y también a Rubens y los venecianos. Fue también un gran admirador de la pintura inglesa.

Fue una de las figuras capitales dentro del Romanticismo francés, gran observador del mundo que le rodeaba y llegaba intuitivamente a una práctica del color que se adelanta al Impresionismo. Observaba que el color mediatiza todo lo que le rodeaba. Compartía con Géricault el amor al ímpetu y al movimiento. Era gran admirador de Lord Byron, Shakespeare y Walter Scott. También fue gran amante del orientalismo y no se conformó con conocerlo a través de los libros, sino que viajó por el norte de África. En 1823 conoció Marruecos, Túnez y Argelia. También pasó por España y en Andalucía también encontró "su oriente particular".

En 1822 presentó por primera vez una obra en el Salón, La barca de Dante, y en 1824 compareció de nuevo en el certamen con La matanza de Quíos, cuadros ambos que fueron adquiridos por el Estado francés. El pintor se inclina en estas primeras obras por temas que le permiten expresar una gran intensidad emocional, plasmada con colores brillantes y gran libertad expresiva.

Son estas creaciones las que lo convierten en la gran figura del Romanticismo francés. Entre sus obras significativas están La muerte de Sardanápalo y La Libertad guiando al pueblo. En ambas, las figuras dibujan una línea diagonal, que constituye el eje compositivo del cuadro, al estilo de Rubens, creando una intensa sensación de movimiento y vitalidad.

Su viaje a Marruecos en 1832 marca el inicio de su segundo período estilístico, en el que abundan los temas marroquíes (Mujeres de Argel), en composiciones mucho más pausadas aunque también típicas del Romanticismo por su carácter exótico y por el uso del color, que adquiere un protagonismo constructivo y compositivo inhabitual hasta entonces.

Al final de su vida se convirtió en el gran decorador de interiores de París, con obras relevantes para el palacio Borbón, el palacio de Luxemburgo, el Louvre y la iglesia de Saint-Sulpice. Fue uno de los personajes más ilustres de su tiempo, amigo de Charles Baudelaire y Victor Hugo entre muchos otros, y dejó un Diario que constituye una interesante y valiosa fuente de información respecto a su vida y su época.

Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, Zaragoza, 30 de marzo de 1746 – Burdeos, Francia, 15 de abril de 1828)

Goya inicio su vida artística a sus tempranos catorce años, en 1760. Este personaje ingresa a un taller de un pintor llamado José Luzán y de este aprende la pintura y el dibujo. Goya intenta continuamente y con poca fortuna conseguir una beca para sus estudios en Madrid, para esto realiza obras para los jesuitas y los nobles aragoneses. Más tarde, en 1771 viaja a Italia gracias a sus protectores, es allí donde ejecuta ejercicios clasicistas y mitológicos. Cuando regresa a España, vuelve a pintar en Zaragoza y comienza su interés por la religión; en esta época resaltan sus pinturas de la Cartuja de Aula Dei y del Corte de la Basílica del Pilar, ambas en Zaragoza.

En 1773 con el apoyo de Francisco Bayeu comienza a trabajar en la Corte de Madrid y un año más tarde es destinado a trabajar en una fábrica de confecciones para tapices de la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara. En la corte conoce a el maravilloso trabajo de Velásquez, el cual se convierte en fuente de inspiración y estudio. Goya copia muchas de sus obras al óleo y en muchos grabados, es así como aprende el retrato y el género en el cual será catalogado como artista.

En 1780 para perfeccionar sus estudios y su sensibilidad ingresa a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Goya consolida su visión de la pintura en esta época. En Madrid realiza una exitosa carreta hasta ser reconocido como un maravilloso retratista, decorador y pintor religioso.En la última década del siglo, Goya acusa el tema sociopolítico y en 1792 se queda sordo. Su posición como un pintor crítico comienza a crecer al igual que sus investigaciones. A partir de 1974 realiza obras con una etapa pictórica nueva y ganan mayor autenticidad. Se ve afectada su obra religiosa como se ve reflejado en frescos de San Antonio de la Florida de Madrid.

A principios del siglo XIX empieza a realizar temas netamente románticos, como las crónicas de actualidad, escenas de brujería, el papel político del pueblo y la fascinación por la violencia. Goya sufre trastornos y en 1819 cambia drásticamente su pintura nuevamente y realiza pinturas con temas más fantásticos y violentos. Tras la invasión francesa este sea asienta en Francia ya que se vio obligado por el rey a abandonar España donde realiza nuevas obras.

Este pintor es muy importante no sólo por su capacidad técnica como pintor de óleos, dibujante y grabador, sino por sus distintas etapas que lo califican como un pintor brillante y único. Incluso cuando es un anciano se enfoca su interés en la nueva técnica llamada litografía como un nuevo método de grabado.

William Blake (Londres, 1757 - 1827)

William Blake fue un poeta, grabador y pintor británico, es considerado como un artista único y un visionario, sin embargo antes se le veía como a un místico iluminado o como un hombre poco cuerdo.
En 1771 este empieza a trabajar como grabador de James Bazire y en 1780 conoce al escultor neoclásico John Flaxman, de este último aprende el gusto por la seguridad y precisión del contorno del dibujo.
En la Primera etapa de su vida, es decir desde su matrimonio en 1782 y la publicación de los Esbozos poéticos en 1783, se dedicó a la poesía y las artes plásticas estudiando a los grandes maestros como Rafael, Durero y Miguel Ángel (en especial a este último). Blake fue incapaz de asimilar la capacidad volumétrica así que este desarrollo un estilo mucho más lineal aproximado al estilo miniaturista celta gracias a sus curvas.
Tuvo influencia del arte gótico y copio monumentos sepulcrales de la abadía de Westminster y otros templos. Gracias a Flaxman, Blake se introduce en la tertulia de Mrs. Mathew, es aquí donde sus habilidades como poeta son claramente apreciadas.
La segunda etapa de su vida, es decir en 1783 hasta 1803 vive en Lambeth y también este periodo abarca una comprensión técnica mucho más lograda en todos sus medios de expresión artísticos. En 1784 abrió un negocio de grabados el cual siguió vigente hasta la muerte de su hermano y cinco años después aparecen los Cantos de la inocencia ilustrados por el mismo y luego aparecen los Cantos de experiencia, donde el artística expresa la caída del hombre en poemas únicos trabaja luego con Thomas Butts (amigo suyo) y en 1800 junto a William Hayly asignó a Blake como residencia a un cottage en Fepham donde este pasa tres anos y compuso versos considerados como uno de los más logrados de toda su obra.
En su última época, es decir desde 1803 hasta 1827 se caracterizó un estilo extravagante en su poesía. En Londres explota su talento gracias a Richard Cromek. Más tarde trabajó con John Linnel, un paisajista para el que grabó Inventions on the Book of Job, su obra maestra y algunas ilustraciones para la Divina Comedia. Las obras literarias más destacables de sus últimos anos son el matrimonio de cielo y el infierno y otras dos entregan ilustradas Milton y Jerusalén.
Como artista Blake es un manierista, el cual destruye todas las formas clásicas sin llegar aún al nuevo equilibrio romántico. Fue un artista muy visionario, rechaza a la naturaleza como fuente creativa y se encierra en temas de su interior, así es como el llega a crear sus personajes sin preocuparse de la anatomía de estos ya que consideraba que corregir a estos personajes era un pecado en contra de su visión interior. Este proceso él mismo lo llamaba: “proporciones de eternidad demasiado grandes para el ojo del hombre”.
En el estilo de Blake predomina el dibujo sobre el color, los contornos ondulantes le dan a la obra una gran vitalidad y un bello ritmo. Blake también realiza nuevas técnicas como el grabado de la acuarela en color o miniaturas impresas. Su particular alegato su estilo profético y su energía lo convierte en una figura única del romanticismo.

Joseph William Turner (Londres, 1775-id., 1851)

Pintor británico. Fue considerado una figura controvertida en su tiempo, pero hoy en día es visto como el artista que elevó el arte de paisajes a la altura de la pintura de historia.
Aunque es renombrado por sus pinturas al óleo, Turner también es uno de los grandes maestros de la pintura paisajista británica en acuarela. Es considerado comúnmente como "el pintor de la luz" y su trabajo es considerado como un romántico al impresionismo.
El talento de Turner fue reconocido muy pronto, convirtiéndole en un académico a los 23 años. De acuerdo con la Historia ilustrada del Arte, de David Piper, sus últimas pinturas fueron denominadas rompecabezas fantásticos. No obstante, Turner es reconocido como un genio: el crítico inglés, John Ruskin, describió a Turner como el artista «que más conmovedoramente y acertadamente puede medir el temperamento de la naturaleza».
Fue un artista admitido a los catorce años como alumno en la Royal Academy, de la que fue nombrado miembro asociado en 1799, a los veinticuatro años, y de la que fue también, más tarde, profesor y vicepresidente. Su prematura inclinación hacia la pintura se concretó desde el primer momento en una vocación de paisajista, hasta el punto de que fue el paisaje el único tema que cultivó, y del cual llegó a ser un verdadero maestro.
A partir de 1792 adoptó la costumbre de realizar apuntes de paisajes y vistas para venderlos a grabadores o convertirlos luego en óleos o acuarelas. Esta línea de actuación, mantenida a lo largo de toda su vida, está en el origen de la gran cantidad de dibujos que dejó a su muerte, de los que se incluyeron en obras como Puertos de Inglaterra o Vistas pintorescas de las costas meridionales de Inglaterra.
Aunque su obra fue muy discutida, contó con admiradores y mecenas incondicionales, como el tercer conde de Egremont y Ruskin. Gozó, por ello, de un gran desahogo económico, que le permitió realizar constantes viajes por diversos países (Francia, Suiza, Italia), de los que constituyen un recuerdo memorable, por ejemplo, sus series de vistas de Venecia.
Desde sus inicios, sus paisajes son plenamente románticos por el dramatismo de los temas tratados y manifiestan un interés particular por el espacio atmosférico y los efectos luminosos. Estos dos rasgos, los más característicos de su estilo, se mantuvieron hasta el final de su carrera, aunque en composiciones cada vez más esquemáticas y abstractas en las que el color adquirió un gran protagonismo. En sus últimos años vivió una existencia solitaria, con frecuentación casi exclusiva de su amante, Sophia Booth.

Théodor Géricault (Ruán, Francia, 1791-París, 1824)

Pintor que fue una figura singular en el panorama de la pintura francesa y un pionero del Romanticismo. En 1798 se trasladó con su familia a París, donde se formó artísticamente en los estudios de Vernet y de Pierre Guérin. Su estilo se debe en buena medida a las copias de obras maestras que realizó en el Louvre y a una estancia en Italia, donde entró en contacto con la obra de Miguel Ángel y con el barroco romano.
Su primera gran obra, Oficial de cazadores a la carga, exhibida en el Salón de París de 1812, reveló la influencia del estilo de Rubens y un interés en la representación de un asunto contemporáneo. Este éxito de juventud, fue seguido de un cambio de dirección: durante los siguientes años Géricault produjo una serie de pequeños estudios de caballos y caballeros. En los siguientes dos años pasó por un estudio auto-impuesto de construcción y composición de figuras, mientras evidenciaba una predilección personal por el drama y la fuerza expresiva.
Tras fracasar en el concurso del gran Premio de Roma, decide viajar a Italia por su cuenta. Queda muy impresionado ante los pintores del Renacimiento italiano, en especial ante Miguel Ángel, así como ante el flamenco Rubens. Este viaje a Florencia y Roma fue provocado en parte por el deseo de huir de un lío romántico con su tía, a quien dejó embarazada.
Este viaje hizo nacer su fascinación por Miguel Ángel. La propia Roma le inspiró la preparación de un lienzo monumental, la Carrera de los caballos Barberi, una obra de composición épica y tema abstracto. Al final, Géricault nunca acabó la pintura, y regresó a Francia.
La carrera de Géricault como pintor se extiende a lo largo de diez años, pese a lo cual su obra es notable y abundante. En sus primeras realizaciones (La muerte de Hipólito, La captura del caballo salvaje), un planteamiento todavía clásico va acompañado de una materia pictórica rica y pastosa, y de un modelado de las figuras a través de la luz, que son ya rasgos claramente románticos.
En 1819 pintó y expuso en el Salón de aquel año, en París, su pintura más famosa: La balsa de la Medusa, que ganó una medalla y produjo una profunda conmoción. El cuadro aludía al naufragio de la Medusa en 1816, un acontecimiento de la época con fuertes connotaciones políticas, tratado con acentos épicos. Tanto por el tema como por el enfoque, el lienzo era de una absoluta novedad y ejerció una influencia duradera.
De 1820 a 1822, estuvo en el Reino Unido, donde pintó sobre todo carreras de caballos, en respuesta a su gran afición al mundo de la hípica. Hacia 1822-1823 realizó una excepcional serie de retratos de enfermos mentales, como preparación para una obra que no llegó a ejecutar; en retratos de sorprendente esencialidad y de un realismo crudo, connatural este último a su estilo. Fue amigo de Delacroix, su principal epígono y continuador artístico.

El Realismo

Define una tendencia artística y literaria del siglo XX que intenta reproducir fielmente la realidad ,contra las convenciones del neoclasicismo y del romanticismo,reclamando una actitud de objetividad,volviendo a dar importancia a los individuos(campesinos y obreros), con una concepción humanitaria y naturalista.Los inicios del realismo del siglo XX comienzan con cuadros como Los picapedreros de Courbet o La matanza de la calle de Transmonain de Daumier (que tendía hacia el expresionismo) o entorno buscaran una fidelidad total a la cosa vista .Autores realistas del siglo XIX como Menzel en Alemania ,C.Meunier en Bélgica ,los Macchioli en Italia,Homer en Norteamérica y E. Rosales en Espana son algunos ejemplos.En el siglo XX el realismo se mantuvo violenta algunas veces ,hasta la caricatura( Grosz o Dix),insólito otras como el ‘‘realismo mágico’’ de artistas como P.Koch,otras veces didácticos,siendo en ocasiones propaganda oficial,como es el caso del realismo socialista.En los anos sesenta la nueva configuración europea manifiesta el realismo militante (Aillaud y los Malassis); el nuevo realismo de Klein y Christo;el hiperrealismo norteamericano de Hopper, que es fotográfico ;en Espana ,la Escuela de Madrid contó con pintores como Antonio Lopez .En el siglo XX deja huella en la poesía -objeto ,en la plástica del pop-art,etc.

El Romanticismo / Karl Friedrich

La arquitectura del romanticismo se caracteriza por su falta de personalidad y,sobre todo en Francia y en Inglaterra, se limita a ser un pastiche neogótico .Estas mezclas del romanticismo ,siempre muy recargadas ,llegaban a caer en mal gusto lo cual el modernismo estaba en contra .Como po ejemplo los edificios que pueden esclavarse en el eclecticismo y los ‘‘neos’’ son,respectivamente,la Opera de Paris y el Parlamento de Londres.A pesar de su recargamiento,obra del arquitecto Karl Friedrich Schinkel, el primer edificio que presenta una cierta unidad de estilo

Karl Friedrich Schinkel

Nació el 13 de marzo de 1781 en Neuruppin(Prusia,actual Alemania). Schinkel fue el mas destacado arquitecto y pintor del romanticismo ,desarrollando su actividad en Prusia.La carrera de Schinkel estuvo en un principio enfocada hacia la pintura y el dibujo .Sin embargo , en 1798 decide empezar su aprendizaje.

Comenzando así a estudiar en la Academia de Arquitectura de Berlín, principal representante de la corriente neoclasicista en su país. Fue discípulo de David Gilly. Entre 1803 y 1805, y más tarde en 1824, viajó a Italia, una especie de rito de paso usual en la formación artística de los siglos XVIII y XIX. Durante la ocupación napoleónica de Berlín (1806-1808) trabajó como pintor, y después de la expulsión de los franceses ingresó en el departamento de obras públicas de la capital prusiana. Allí llegaría a ocupar el cargo de máximo responsable de las obras civiles y regias de la ciudad. Dedicandose primero a la pintura romántica y la escenografía.

A partir del 1810 realizo sus obras maestras: la Neue Wache de Berlín, el Schauspielhaus y el Altes Museum de Berlín, con elementos tomados de la arquitectura griega y romana, y la Werderkirche (Berlín), de carácter neogótico. A partir de 1826 trabajó para el futuro Federico Guillermo IV en Potsdam, donde construyó la residencia de Charlottenhof, que muestra la influencia de la estética pintoresca en la libertad y asimetría de la composición, así como una tendencia a relacionar el edificio con el paisaje que se confirmaría luego en obras y proyectos tardíos. Falleció el 9 de octubre de 1841.

Escultura Neoclásica

La escultura neoclásica dejó de ser un recuerdo del pasado, las excavaciones fueron sacando a la luz el gran número de piezas y colecciones que se habían ido formando a lo largo de los siglos.

La mayoría de las esculturas neoclásicas se trabajaban en mármol blanco sin policromar, en las que predominaban la noble sencillez y la serena belleza que Winckelmann encontró en la estatuaria griega. Las teorías de Gotthold Ephraim Lessing en su libro Laocoonte, o de los límites de la pintura y de la poesía trató de fijar una ley estética de carácter universal que pudiera guiar a los artistas en sus concepciones acerca de la moderación en las expresiones y en el plasmado de los sentimientos que son reglas que se adoptarán al modelo neoclásico.

De esta manera los escultores de fines del siglo XVIII y comienzos del XIX, crearon obras en las que prevalecía una sencillez y pureza de líneas que se diferenciará del gusto curvilíneo del Barroco. El desnudo en cada uno de ellos tiene una notable presencia. Los modelos griegos y romanos, los temas que han sido tomados de la mitología clásica y las alegorías sobre las virtudes cívicas llenaron los relieves de los edificios, los frontones de los pórticos y los monumentos, como arcos de triunfo o columnas conmemorativas.

El retrato ocupó un importante lugar en la escultura neoclásica, por ejemplo; Antonio Canoa representó a Napoleón como Marte y a su hermana Paulina como Venus Victriz tomando de esta manera los modelos de los dioses clásicos. Aún así, otros prefirieron un retrato idealizado pero al mismo tiempo, realista que captara el sentimiento del retratado.

Son Antonio Cava y Bertel Thorvaldsen quienes resumen las distintas tendencias de la escultura neoclásica. Mientras que Canova llega al clasicismo a partir de una formación barroca y configura un estilo de gran sencillez racional, Thorvaldsen siguió más directamente las teorías de Winckelmann hasta conseguir un estilo voluntariamente distante y frío que debe mucho a la estatuaria griega.

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Jacques Louis David

Nació en París el 30 de Agosto de 1784 en el seno de una familia de clase media alta. Introdujo el neoclasicismo en Francia y fue el máximo exponente de este en la época de la Revolución hasta la caída de Napoleón Bonaparte. En 1774 ganó en Premio de Roma y viajó a Italia en donde recibió una fortísima influencia del arte clásico y de las obras del pintor Nicolás Poussin, de sólida inspiración clásica. David, rápidamente, desarrollo su propia línea neoclasicista, basándose en las formas y gestualidad de la escultura romana. Su famoso Juramento de los Horacios (1784-1785, Museo del Louvre, París) fue concebido para proclamar el surgimiento del neoclasicismo, y en él destacan el dramatismo en la utilización de la luz, las formas idealizadas y la claridad gestual. La obra presentaba una temática de un elevado moralismo (y, por lo tanto, de patriotismo) que la convirtió en el modelo de la pintura histórica de tono heroico y aleccionador de las dos décadas siguientes. Después de 1789 adoptó un estilo más realista que neoclasicista para poder registrar las escenas de su tiempo relacionadas con la Revolución Francesa (1789-1799), como en la obra de gran dramatismo La muerte de Marat (1793, Museos Reales de Bruselas). Fue pintor oficial de Napoleón Bonaparte y después de la caída de este, David se exilió a Bruselas, donde habría de vivir hasta su muerte. Durante estos últimos años de su vida, David, retornó a los temas inspirados en la cultura y mitología griega y romana.

"La muerte de Marat"

"Juramento de los Horacios"

Arte Neoclásico en el Perú

Arquitectura

La arquitectura colonial peruana nació a partir de modelos peninsulares y europeos, con el devenir de los años logró afirmarse como una arquitectura con personalidad propia, y única en América.
La fundación de ciudades españolas fue el inicio de la ocupación del territorio andino. Sobre las antiguas ciudades prehispánicas se asentaron los primeros poblados españoles y en ellas plasmaron su ideario del mundo conocido. Las primeras construcciones en edificarse fueron el cabildo, la catedral y las casas alrededor de la plaza mayor. Las construcciones más cercanas a la plaza eran propiedad de los vecinos que habían sobresalido en las empresas de conquista. Sin embargo, son pocos los ejemplos de arquitectura del siglo XVI. Sólo algunas casas o patios ubicados en Lima o Cuzco o algunas iglesias en provincia son la única muestra de las construcciones de aquella época. Del siglo XVI destacan: la casa de Jerónimo de Aliaga (Lima), La Merced (Ayacucho), Iglesia de San Jerónimo (Cuzco) y la Asunción (Juli, Puno).

El siglo XVII estuvo marcado por la llegada del barroco. Este estilo llegó al Perú en un momento de gran madurez artística de los alarifes afincados. La reinterpretación del estilo y su adaptación al medio local hicieron que el virreinato del Perú se convirtiera en la expresión del barroco americano. La riqueza del barroco peruano radica en la diversidad de interpretaciones, pues se adaptó y utilizó elementos de las principales ciudades del virreinato (Lima, Cuzco, Trujillo, Puno, Arequipa, Cajamarca, etc.), pero también tuvo que adaptarse a una serie de factores que lo condicionaron, especialmente en el ámbito económico.

El virreinato peruano tuvo una diversidad de centros arquitectónicos importantes. Las tradiciones y elementos regionales permitieron el desarrollo de escuelas y de áreas de influencia. Cuzco, Arequipa y Puno fueron las que difundieron las principales técnicas constructivas locales. En estas ciudades hubo una búsqueda de lenguajes propios alejados del barroco y de su realismo, experimentando en muchos casos con la naturaleza y los elementos bucólicos andinos. Un ejemplo sería la portada de La Compañía, en la ciudad de Arequipa.

Escultura

La escultura, al igual que todas las artes, fue introducida al virreinato peruano por la iglesia. Desde el comienzo tuvo una función práctica: sirvió como una herramienta eficaz en las campañas de evangelización y de extirpación de idolatrías durante la segunda mitad del siglo XVI y la primera del XVII. El Concilio de Trento (2563) se encargó de dar las directrices para la buena utilización de las imágenes en la difusión de la fe católica. Así, la virgen María, Jesucristo y los principales santos debían tener un papel hegemónico en las iglesias y conventos.

En el siglo XVI el renacimiento tardío continuaba inspirando a los artistas locales. Utilizaron para sus primeras obras madera, mármol, piedra, marfiles y metales, aunque muchas veces tuvieron que importar los materiales del reino español. En Lima surgieron varios talleres que satisfacieron la demanda de los encomenderos y también de las órdenes religiosas, porque necesitaban producción artística, ya sea para la decoración de sus nuevos templos e iglesias o para el adoctrinamiento de indígenas.

El siglo XVIII se caracterizó por la introducción de nuevas técnicas en la elaboración de esculturas. Destacó la técnica de la tela engomada, ya que lograba darle un efecto muy realista a la obra. Santos, vírgenes, ángeles y arcángeles fueron realizados con esta técnica que fue muy popular en el virreinato peruano.

Pintura

Las diferencias entre el simbolismo andino basado en una concepción geométrica de la realidad y el realismo español, no permitieron una adecuada interpretación de las obras producidas antes de la llegada de los peninsulares. La tradición de la que provenían los españoles no exigía un conocimiento previo de los elementos, bastaba mirar la pintura para entender el mensaje del autor. En cambio, la tradición andina exigía un conocimiento de los símbolos que muchas veces estuvieron restringidos a un sector elite.
Ante esta situación, los indígenas fueron apropiándose poco a poco del lenguaje artístico traído por los españoles. Otros, los más hábiles, lograron plasmar sus creencias en pinturas representativas de la sagrada familia, superponiendo para ello elementos andinos sobre figuras sagradas.

Las pinturas jugaron un rol importante después del primer desencuentro entre las tradiciones españolas e incaicas. Los peninsulares se dieron cuenta de este gran obstáculo y decidieron romper la falta de comunicación entre ambos grupos por medio de la pintura. En la etapa de evangelización, los cuadros de la sagrada familia, de Cristo crucificado, de santos y mártires fueron utilizados como herramientas para la enseñanza de la fe católica. Así, durante la segunda parte del siglo XVI, la pintura al igual que otras manifestaciones artísticas fueron monopolizadas por la iglesia. Con el objetivo de una mejor evangelización, encargaban muchos cuadros con temas específicos (inspirados en la sagrada familia, pasión de Cristo, etc.) a los más importantes talleres andaluces y sevillanos.

Pintura Rococó

El Rococó como ya sabemos nace en Francia, pero luego, como muchas otras corrientes artísticas, distintos países la retoman. Es un arte aristocrático, se dice que es esencialmente para la alta clase media, aquellos que disfrutan de lo íntimo refinado y delicado. Se utiliza mucho a la naturaleza en las obras al igual que en la arquitectura (es una característica del periodo).
En esta época la sociedad buscaba continuamente los temas que el Rococó interpreta en sus obras y estos son: el placer y el buen gusto.

En la representación de las pinturas de este periodo encontramos: damas, rigodones, minués, ciertas aventuras amorosas, cierto erotismo, algunas situaciones campestres.
Al mismo tiempo los personajes mitológicos como Venus se retoman y la marcada sensualidad, alegría y frescura; Todas estas son características esenciales del Rococó. También se afirma que es un estilo galante.

La figura de la mujer es muy sensual y atractiva; se usan muchos los escenarios mezclados con los personajes para que la sociedad se identifique con estos mismos.

Representantes del Rococó:

• En Francia son Boucher, Watteau y Fragonard.
• En Inglaterra son Reynolds y Gainsborough.
• En Italia son Solimena y Tiepolo.
  

Arquitectura Neoclásica

Tras el Barroco y el Rococó, el neoclasicismo representa una simplificación ,la arquitectura neoclásica reproduce las formas generadas por los griegos y los romanos, mas no tarda ensuprimir toda referencia a las medidas del cuerpo, prefiriendo el nuevo sistema métrico adoptado por los franceses y favoreciendo la monumentalidad.

En esencia, la arquitectura neoclasica reproduce las formas generadas por los griegos y los romanos, mas no tarda en suprimir toda referencia a las medidas del cuerpo, prefiriendo el nuevo sistema metrico adoptado por los franceses y favoreciendo la monumentalidad. Usa los símbolos y motivos redescubiertos en los muebles y edificios de Pompeya y Herculano.

Las características principales de la arquitectura neoclásica son :

• Se busca la belleza ideal basada en las líneas puras, en la simetría y en las proporciones.
• Predomina la horizontalidad que da sensación de equilibrio.
• Se inspira en los monumentos de la antigüedad grecorromana.
• Concepto de belleza basado en la pureza de las líneas arquitectónicas, en la simetría y en las proporciones sujetas a las leyes de la medida y las matemáticas
• Utiliza elementos básicos de la arquitectura clásica: columnas, órdenes clásicos –con predominio del dórico–, frontones, arcos de medio punto, bóvedas, cúpulas, etc.
• Reacciona contra los efectos decorativos del barroco y el rococó.
• Gusto por la sencillez, con predominio de lo arquitectónico sobre lo decorativo.
• La decoración es sencilla y austera. Está inspirada en el arte clásico a base de ovas, guirnaldas, decoración floral, escudos, trofeos etc, y también en el arte egipcio.
• Además de iglesias y palacios construyen hospitales, bibliotecas, museos, teatros, etc., ya que creen que el arte debe estar al servicio de la sociedad y ser útil. También embellecen las ciudades con plazas y jardines.
  

Francia

Jacques-Germain Soufflot (1713-1780); es el primer gran arquitecto plenamente neoclásico. Construye el Panteón de París. Los edificios recuerdan a los templos clásicos como el Partenón, aunque son más grandes y no tienen acceso por todas partes. Son edificios de uso público, de nueva planta, que se dedican a la Administración del Estado o al ocio de la burguesía, como los casinos y teatros. Otra obra suya es la iglesia de Santa Génova.

Italia

Giovanni Battista Piranesi (1720-1778) ; es probablemente, el arquitecto italiano de mayor prestigio. Conoce la obra de Vitruvio y Palladio, los grandes arquitectos de la Antigüedad y el Renacimiento, respectivamente. Aboga por las grandes escenografías interiores. La amplitud del espacio interior es lo que caracteriza su obra.

España

Francisco Sabatini (1722-1797) ; que trabaja para Carlos III y realiza obras como la puerta de Alcalá. Juan de Villanueva (1739-1811) construirá la fachada del palacio del Pardo y la puerta del Jardín Botánico. Silvestre Pérez (1767-1825) también trabaja en Madrid.

Pintura Neoclásica

La pintura neoclásica es un movimiento pictórico nacido en Roma en la década de 1760 y que se desarrolló en toda Europa, arraigando especialmente en Francia hasta aproximadamente 1830, cuando se vio superado por el romanticismo.

Con respecto a las artes plásticas, la pintura neoclásica, al no contar con restos pictóricos de la antigüedad grecorromana, se inspira en la escultura, en especial en los relieves, que la dotará de un marcado carácter escultórico. El problema que tenían los pintores neoclásicos, era la escasez de las pinturas clásicas. Se tomaron modelos de la antigüedad adaptándolos a las necesidades de renovación política, social, ética y cultural de la época.

De algunas obras pictóricas neoclásicas se ha llegado a decir que son pinturas «monocromas». Sin duda el máximo auge de la pintura neoclásica se produce durante la Revolución Francesa y su máximo exponente será el pintor francés:

Jean Auguste Dominique Ingres

Último representante de los grandes pintores del neoclasicismo francés, Ingres se presenta sin embargo con una postura ambigua frente a los postulados clasicistas que le sitúan dentro del germen del movimiento romántico. Su estilo de pintura se llamó: ingrismo. Ingres no es neoclásico ni académico, sino un ferviente defensor del dibujo. Resulta a la vez clásico, romántico y realista. Algunas de sus obras se enmarcan en el llamado «Estilo trovador», inspirándose en el ideal estético griego y gótico.

Arquitectura Barroca

La arquitectura barroca se generó en Roma durante el siglo XVII y se extendió a mediados del siglo XVIII por los Estados Absolutistas europeos. Esta arquitectura se caracterizó principalmente por utilizar composiciones basadas en líneas curvas, elipses y espirales, así como figuras policéntricas complejas compuestas e motivos que se intersecaban unos con otros. La arquitectura se valió de la pintura, la escultura y los estucados para crear conjuntos artísticos teatrales y exuberantes que sirviesen para ensalzar a los potentados que los habían encargado.

Arquitectura Religiosa

El punto de partida de la arquitectura barroca religiosa puede considerarse la Iglesia de Gesú de Roma, construida a partir de 1568 según el proyecto de Vignola, este edificio representa una síntesis entre la arquitectura renacentista, manierista y barroca, y satisfacía plenamente las nuevas exigencias surgidas tras la Contrarreforma: la disposición longitudinal de la planta permitía acoger grandes números de fieles, mientras que la planta de cruz latina suponía un retorno a la tradición del Concilio de Trento.
Por otro lado la presencia de cúpula subrayaba la centralidad del espacio hacia el fondo de la nave y presagiaba la búsqueda de una integración entre el esquema longitudinal y el centralizado. Asimismo, la fachada estaba construida según el proyecto de Diacomo della Porta y anticipaba los elementos más marcadamente barrocos.
De este modelo derivaron una serie de iglesias de planta longitudinal centralizada o planta central alargada, caracterizadas por el eje longitudinal y por la presencia de un elemento catalizador de la composición, generalmente una cúpula.
Los arquitectos barrocos modificaron tanto la composición en planta como en fachada, generando una concepción nueva del espacio. Las fachadas de las iglesias dejaron de ser la continuación lógica de la sección interna, para convertirse en organismos plásticos que marcaban la transición entre el espacio exterior y el interior. El espacio interior, por tanto, estaba compuesto a partir de figuras complejas basadas en elipses y líneas curvas, y se definía a través del movimiento de los elementos espaciales, diferenciándose radicalmente de la concepción renacentista que generaba una sucesión uniforme de elementos dispuestos de forma simétrica entre ellos.

Arquitectura Civil

En 1585 el Papa Sixto V inició las obras para la transformación urbana de Roma, y le encargó a Domenico Fontana la conexión entre los principales edificios religiosos de la ciudad por medio de grandes ejes viarios rectilíneos.
La ciudad Barroca se caracterizó por ser más dinámica y abierta a sus propios límites, y al mismo tiempo fue punto de referencia de todo el territorio. En Roma, los centros focales del panorama urbano se subrayaron mediante la colocación de antiguos obeliscos egipcios y altas cúpulas, mientras que en París los nodos del sistema viario se definieron por medio de plazas simétricas, en cuyo centro se colocaba la estatua del mandatario.
En resumen, la plaza barroca cedió su función tradicional cívica y pública para convertirse en un medio de exaltación de la ideología religiosa o política, como en el caso de las plazas reales francesas o de la Plaza de San Pedro en Roma.

Gian Lorenzo Bernini (1598 - 1980)

Escultor, arquitecto y pintor italiano. Bernini es el gran genio del barroco italiano, el heredero de la fuerza escultórica de Miguel Ángel y principal modelo del Barroco arquitectónico en Europa. Aprendió los rudimentos de la escultura en el taller de su padre,.Fue también su padre quien lo puso en contacto con algunos de los mecenas más importantes de su tiempo, lo que le permitió manifestar su talento de una forma bastante precoz. En sus obras más tempranas (Eneas, Anquises y Ascanio, El rapto de Proserpina) resultan ya evidentes la ruptura con el manierismo tardío y una concepción radicalmente distinta de la escultura; el intenso dramatismo, la grandiosidad y la búsqueda de efectos escenográficos están ya presentes en estas primeras creaciones.

En 1629, Bernini fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el papa Urbano VIII. Desde entonces hasta su muerte trabajó ininterrumpidamente para los sumos pontífices, salvo un cierto paréntesis durante el pontificado de Inocencio X, quien prefirió a otros artistas y le encargó pocas obras. De sus realizaciones para San Pedro destacan el gran baldaquino sobre el altar mayor y el grupo escultórico de los Padres de la Iglesia que, observado a través de las columnas del baldaquino, ofrece efectos de una gran fuerza teatral, tal como pretendía el artífice.

Su mejor aportación a la basílica de San Pedro fue, sin embargo, la columnata que rodea la plaza, justo delante del templo, que le ha valido elogios continuos por su armonía y sus efectos escenográficos. Esta columnata representó una gran novedad, no sólo por sus dimensiones, sino sobre todo por su disposición elíptica, una forma muy cara a los arquitectos barrocos, inclinados a conferir a todas sus obras efectos de movimiento. Las monumentales estatuas que la rematan en su parte superior dotan al conjunto de un aire todavía más majestuoso y solemne si cabe.

El más famoso pintor de Roma

Michelangelo Meresi da Caravaggio ,pintor italiano; es uno de los exponentes mas destacados de la escuela naturalista que surgió . También es considerado como el primer gran exponente de la pintura barroca. Caravaggio revoluciono el arte de su epoca y se le supone uno de los primero artistas del estilo barroco.

En la pintura , Caravaggio hizo gran uso del clarooscuro. Sus primeras creaciones son fundamentalmente pinturas de género que combinan la figura humana con escenas de bodegón y naturaleza muerta.

Caravaggio en su mayoría produjo pinturas religiosas.Por otro lado sus pinturas se caracterizaban por su naturalismo y tenebrismo.Dos criticas en relación con sus pinturas, eran el realismo de sus figuras religiosas y la elección de sus modelos entre la gente de baja condición.Una de las pinturas de Caravaggio que causaría el mayor escándalo a los ojos de la Iglesia fue : La muerte de la Virgen, La luz incide en la Virgen y en algunos personajes (manos y rostro) para resaltarlos. Estos contrastes de luz nos transmiten sensaciones dramáticas y resaltan los valores escultóricos. Hay una gran expresividad con los gestos de las manos y los rostros. Tiene gran importancia el color. Lo que más llama la atención es la vulgaridad de los personajes, tanto la Virgen, como el resto de los personajes (En el caso de la Virgen, Caravaggio tomó como modelo a una mujer ahogada.